ヨーロッパのファッションと文化。ギヨーメット・デュプレ、エグゼクティブ・エディターによる歴史的調査 RUNWAY 雑誌。写真/画像提供: GettyImages / INPI / ルイ・ヴィトン / ドルチェ・ガッバーナ / エミリオ・プッチ。

「ファッションは消え、スタイルだけが残る。」

ココ·シャネル

私たちの社会に欠かせない要素としてのファッション

ファッションは文化、歴史、芸術から得た重要な役割を果たしており、教育ツールとインスピレーションの源の両方として機能します。ファッションのトレンドを追うと、多くの場合、共通の関心を持ち、集団で同じ方向に向かうコミュニティが出現します。

大手高級ブランドは何年もかけてアイデンティティとDNAを構築してきました。場合によっては、マーケティングや文化的な理由から、異なる文化的背景を持つ新しい視聴者を惹きつけることを目的として、従来のサークルの外からクリエイティブ ディレクターを雇うこともあります。

このアプローチは、新鮮なアイデアと新しい視点を導入するため、最初は魅力的に見えるかもしれません。これにより、ブランドは自らを再発明し、長期にわたって関連性を維持することができます。ただし、この実践にはリスクも伴います。

リスクの 1 つは、高級住宅のアイデンティティが希薄化することです

外部のクリエイティブ ディレクターを雇用すると、ブランドの確立されたアイデンティティから逸脱したビジョンがもたらされる可能性があり、ブランドの本質や信頼性が薄れる可能性があります。忠実なファンや顧客は、自分たちが大切にしている価値観や美学が大きく変わってしまうと、疎外感を感じたり、失望したりする可能性があります。

さらに、外部のクリエイティブ ディレクターを雇用することは、新規顧客の獲得と収益の増加を目的とした純粋に商業的な戦略と見なすこともできます。これは批判を招き、特にブランドがその起源や深い意味を尊重せずに特定の文化を多用している場合、文化を悪用したり、文化の盗用に関与しているとみなされる可能性があります。

高級ブランドの伝統的な物語の外部からクリエイティブ ディレクターを任命するというアイデアは有望に思えるかもしれませんが、この慣行には慎重に取り組むことが重要です。イノベーションとブランドのアイデンティティと歴史の維持とのバランスをとること、また、いかなる形態の搾取や文化の盗用も避けるために文化的配慮を示すことが重要です。

ファッションは社交的なイベントです。

フランスのファッションと文化

ヴァージル・アブロー率いるルイ・ヴィトンの進化を探ってみましょう。

この才能ある人物は、主に音楽、スポーツ、アフリカ系アメリカ人の聴衆を魅了することで、その使命を見事に果たしました。これにより、ルイ・ヴィトン ブランドを通じてグループへの所属を示す新しい消費者コミュニティが形成されました。しかし、この傾向は、ブランドの文化や重要性の真の理解よりも、外見や富の誇示に重点を置いている可能性があります。

高級ブランドにとって、時間の経過とともに進化しながら、その DNA と文化的伝統を維持することは非常に重要です。短期的な財務戦略を追求すると、場合によってはブランドの信頼性が失われ、ブランドのアイデンティティが希薄化する可能性があります。

また、専門家の意見を考慮することなく、絶滅危惧種の動物の皮を使ったデザインを発表したファレル・ウィリアムスの例にも言及します。これは、インスピレーションがどのようにして文化の盗用に変わってしまうのか、またファッションデザインにおける自然や環境を尊重することの重要性について、当然の懸念を引き起こします。

確かに、ファッションは文化、教育、経済、政治へのパイプとして機能します。それは私たちの社会に大きな影響を与え、私たちの個人および集団のアイデンティティの形成に重要な役割を果たします。したがって、ファッションハウスが自らの責任を認識し、倫理的に行動し、現代世界の変化に適応しながら伝統を確実に維持することが重要です。

ただし、ファッションとその影響についての意見は異なる可能性があることを認識することも重要です。これらの変化を多様化と若返りの機会と見る人もいれば、真正性や文化的重要性の維持に懸念を抱く人もいるかもしれません。

ファッションについて議論する際にはこのような視点の多様性を認識し、オープンで敬意を持った対話を促進することが不可欠です。

ファッションの中心地はオートクチュールのあるパリであり続ける

ぜひこのページをご覧ください。 文化省のウェブサイト。文化省は、フランスのファッションの卓越性に貢献する資金提供団体やプロジェクトを通じて、ファッションの創造、研究、革新をサポートしています。

ファッションは主に見た目の問題です。

態度

実際、衣服は先史時代から登場し、時代を経て進化してきましたが、このことを思い出してください。最初に服装規定を採用したのはベルサイユの宮廷でした。ルイ 14 世とジャンバティスト コルベールは、フランスを衣料品および製品の世界有数の製造国にすることを決意しました。高級品産業は王室の権威の下に置かれるようになりました。

これがローズ・ベルタンのような著名な工芸職人の出現につながりました。パリのオートクチュールはこの現象の後継者となるでしょう。フランス革命の直前に、イラスト付きのファッション年鑑がパリのファッションを地方やヨーロッパ中の読者に広め始めました。

これは、衣料品の自由化の重要な手段であるファッションジャーナリズムの誕生を示しました。

フランス王宮の贅沢なスタイルにより、納税者は莫大な借金を負うことになりました。これらの過剰な出費はマリー・アントワネットの評判を傷つける一因となり、フランス革命を引き起こした不満の一つにもなりました。マリー・アントワネットは死後も長い間、魅力と富の両方を象徴する主要な文化的アイコンであり続けています。

フランス革命中、「サンキュロット」は衣服に政治的な意味を与えました。ブリュメール 8 年法 2 年 (29 年 1793 月 XNUMX 日) は、自分の望むように服装をする自由を宣言し、服装の民主化を予見しました。

第二帝政では特にイギリス人でした。 チャールズ・フレデリック・ワース、パリでのライブモデルの使用の先駆者です。これがオートクチュールの誕生です。

20世紀まで、人々は服を自分で作るか、オーダーメイドしてもらいました。第一次世界大戦中、デザイナーたちは女性の身体をコルセットから解放しました。

20 世紀初頭、ジャンヌ パカンはファッション ショーを発明しました。

当時、パリにはオートクチュールハウスが20軒ほどありました。ポール・ポワレは初めて「女性の身体を解放」した。

これらの年は、ファッションの世界における新しいトレンド、つまりクチュリエとビジュアル アーティストのコラボレーションによって特徴づけられました。例えば、 エルザスキャパレリ 画家サルバドール・ダリとのコラボレーション。彼らの友情は、芸術的なスタイルと鮮やかな想像力を融合させた素晴らしいコレクションの創造につながりました。 1937 年の有名な「ロブスター ドレス」は、この融合を示す注目すべき作品でした。

ファッションはその範囲を拡大するために、写真や映画と提携することに成功しました。 1930 年、ココ シャネルはサミュエル ゴールドウィンとユナイテッド アーティストのスターたちの衣装をデザインする契約を結びました。

パリは世界的なファッションの中心地とみなされており、それは市内に数多くのファッション ブティックがあることからも証明されています。世界はフランスのファッションをその文化とともに受け入れています。今日、各国と高級ファッションハウスの間で文化交流が行われ、素晴らしい成果が生まれています。

どうして？

「文化」という言葉はどちらの文脈でも極めて重要です。

現在、大手高級ブランドが採用している「文化」システムが歴史、感性、敬意などに基づいているものであれば、自然なつながりが形成されます。逆に、このアプローチが純粋にマーケティング指向である場合（正確に解釈すると）、「使用されている」コミュニティによって拒否されます。

イタリアのファッションと文化

イタリアファッションと「メイド・イン・イタリー」の誕生

イタリアのファッションの歴史は、最初の織物と染色の工房が出現した中世にまで遡ります。この時代、最も貴重な生地が東洋から輸入され、イタリアの工房は洗練された高品質の生地の生産を専門としていました。 「Made in Italy」ブランドは、この職人の伝統とイタリアの職人技から生まれ、イタリアのファッションが国際舞台で目立つようになりました。何世紀にもわたって、イタリアのデザイナーはルネッサンス文化と地中海文化の両方からインスピレーションを得て、新しいスタイルを革新し開発し続けてきました。

ローマ、フィレンツェ、ミラノはイタリアのファッション経済を象徴する

ローマのオートクチュール

第二次世界大戦後のローマにおけるファッションの成功は、ローマがイタリアの首都となった 1870 年以降ローマを揺るがした社会経済的大変動の後、1871 年代に始まった卓越したプロセスの結果でした。王室、政府機関、大使館、商人、小規模企業家の出現は、古くて強力な貴族家によって支配されていた階層を覆し、保守的ではない貴族、そしてより重要なことに、新しい文化的価値観やライフスタイルを持つ都市ブルジョワジーへの道を切り開きました。 、および消費パターン。この新しい社会階級は、ハイファッションのアイテムやアクセサリーに対する特定の需要を生み出し、最も熟練した職人を惹きつけました。イタリアの他の都市から来た彼らは、首都に工房を設立したり、支店を開設したりしました。

パリの基準から独立したファッションを作成した最初の「クチュリエ」は、厳密な意味でのクチュリエではなく、芸術家、マリア モナチ ガレンガ (1880-1944) でした。マリア モナチ ガレンガは、衣服のデザインを造形芸術と絵画の完璧な統合であると考えていました。 1915 年、彼女はサンフランシスコのテルツァ・セセッシオーネ・ロマーナ展とパナマ・パシフィック国際博覧会で最初の作品を発表し、グランプリを受賞しました。その時点から 1935 年まで、マリア ガレンガのデザインはヨーロッパとアメリカで広く成功を収め、1925 年にはパリで開催された現代装飾産業芸術国際展示会で国際審査員によってグランプリを受賞して最高潮に達しました。彼女の努力により、ローマは初めてイタリアの女性向けファッション作品を「輸出」し始めました。 1928 年にフィレンツェに支店を開設した後、ガレンガ夫人はパリのミロメニル通りに家を設立し、1934 年まで活動しました。彼女の成功は、1920 年代と 1930 年代の他のデザイナーにパリの文化的および政治的風潮に刺激されてパリから離れることを促しました。時代。

第二次世界大戦後、ローマのファッションは国際的な成功を収めました。パリのオートクチュールの危機とその可能性に対する認識の高まりにより、ローマのオートクチュールはきっぱりパリから離れることになりました。この成功にはアメリカ市場が大きく貢献しました。実際、紛争の終結により、ローマは国際的な観光地となり、特に裕福なアメリカ人女性にとって、ファッションハウスの創造性を発見し評価し始め、顧客の大部分を占めました。

ヴィスコンティ ディ セザーロ家の貴族であり、1946 年に工房をオープンしたシモネッタは、アメリカ市場の注目を集めた最初のローマのクチュリエでした。彼女の衣服のモダンなデザインとその実用性は、大西洋を越えたデパートの衣料品ラインに合わせて大量生産に適していました。その結果、彼女のデザインの多くは、アメリカのショップ、バーグドルフ グッドマンとマーシャル フィールドズによって購入され、複製されました。

ローマのオートクチュールに脚光を当てた注目を集めた出来事は、27 年 1949 月 XNUMX 日にローマで祝われたアメリカのスター、ティロン・パワーと女優リンダ・クリスチャンの結婚でした。カップルの写真はヨーロッパの主要雑誌の一面に掲載されました。アメリカの雑誌では、ソレル フォンタナ ハウスが制作した花嫁の豪華なドレスと、ドメニコ カラチェーニがデザインした新郎のモーニング スーツが紹介されました。その日、世界はローマのファッションデザイナーの才能を目の当たりにし、さらに重要なことに、ローマのファッションとハリウッド映画の関係が強固になりました。

実際、チネチッタの広大で設備の整ったスタジオ (1950 年に設立) が、主にメトロ ゴールドウィン メイヤーなどの米国の大手スタジオが製作した映画に取り組むアメリカ人監督や俳優を受け入れ始めたのは 1937 年代初頭であり、ローマには「ハリウッド」というあだ名が付けられました。テベレ川で。」

俳優たちがカラチェーニやブリオーニのスーツの完璧な仕立てを発見する一方で、女優たちはローマのファッションハウスの常連客になりました。フェルナンダ・ガッティノーニは、イングリッド・バーグマンやラナ・ターナーなどのスターや、アメリカ大使のクララ・ブース・ルースやエヴァ・ペロンの衣装をデザインしました。

エミリオ シューベルトは、ペルシャ皇后ソラヤやイタリアのスター、ソフィア ローレンを含む数多くの女優のためにデザインしました。

エスター・ウィリアムズは、彫刻的で抽象的なボリュームを特徴とする「スカトラ」ラインで、ボストンの百貨店フィレーンズが授与する 1958 年のファッション・オスカー賞を受賞した若きロベルト・カプッチのワークショップを後援しました。翌年、この賞は、ジャクリーン・ケネディが崇拝した現代性とオートクチュールの完璧な融合である有名なパラッツォ・パジャマの作者、アイリーン・ガリツィンに贈られました。

ソレル フォンタナ スタジオには、オードリー ヘップバーン、リズ テイラー、ジャクリーン ケネディなどのスターやファーストレディが頻繁に訪れましたが、エヴァ ガードナーは特にそのデザインを好み、出演した映画のほとんどで衣装デザイナーとしてソレルを選びました。

フィレンツェとイタリアファッションの肯定 1951～1970

イタリア ファッションが国際舞台で決定的にスタートしたのは、ジョヴァンニ バッティスタ ジョルジーニ侯爵がフィレンツェのピッティ宮殿で開催したファッション ショーのおかげで、1950 年代初頭に起こりました。この極めて重要な瞬間は、組織的な努力の結果ではなく、むしろ個人のダイナミズムによってもたらされました。ジョルジーニは、アメリカの大手デパートの購買管理を通じて培った豊富な商業経験と広大な人脈と人間関係を活用しました。彼は、イタリアのオートクチュールの革新的で魅力的な要素を、戦後の主要な国際市場であるアメリカ市場に認識し、宣伝した最初の人物でした。

フィレンツェ、そしてより広範囲のトスカーナには、中世の製造業と貿易の伝統の遺産である活気に満ちた職人技の織物がありました。イタリアのルネッサンス芸術と文化の生きた証というイメージを持つこの都市は、国際観光客にとって大きな魅力でした。サルヴァトーレ フェラガモ (1927 年設立)、グッチオ グッチ (1921 年設立)、エミリオ プッチなど、地元のファッション企業やブランドの成功と国際的な名声のおかげで、フィレンツェは数十年にわたってイタリア ファッションの基準点となりました。 1947 年、サルヴァトーレ フェラガモは、アメリカ最大のデパートの XNUMX つがファッション デザイナーや専門家に授与する、ファッションのオスカーに似たニーマン マーカス賞を受賞しました。

12 年 1951 月 XNUMX 日は、ジョルジーニが企画した最初のイタリアの集団ファッション ショーの日であり、イタリア ファッションの公式の誕生日であるだけでなく、イタリアの創造性と職人技が国際的に認められたことを示す「メイド イン イタリー」ラベルの創設日でもあります。優秀。ファッションショーはパリでのイベントに続き、ヴィラ・トリジャーニの邸宅サロンで開催された。アメリカのトップバイヤーXNUMX名が出席する中、イタリアのファッションハウスXNUMX社（ローマとミラノのオートクチュール工房XNUMX社、ブティックファッションハウスXNUMX社）がデザインを披露した。

その中には地元唯一のクチュリエ、プッチもいた。アメリカ人のゲストは熱心で、出席した1951人のイタリア人ジャーナリストはこのイベントの高い知名度を確保した。決定的な奉献は180年700月、第300回イベント開催中に行われ、参加するイタリアのファッションハウスの数はXNUMX社からXNUMX社に増加し、展示されたモデルの数はXNUMX社からXNUMX社に増加した。さらに、バイヤーの存在はXNUMX社から急増した。彼らに対応するために、ショーは新しい場所であるグランド ホテルに移動されました。

ジョルジーニは、最初のショーから重要な特徴、つまりイタリアのファッション創造と過去の芸術的および職人的伝統の遺産との密接な関係に賭けていましたが、その理想的な背景を提供できるのはフィレンツェ市だけでした。そのため、1952 年 XNUMX 月の第 XNUMX 回開催では、イベントの場所をピッティ宮殿のサラ ビアンカに移すことでジョルジーニのビジョンが完成し、フィレンツェをイタリア ファッションの首都として確立し、ファッション、芸術、伝統の新たな連携を示す完璧なショーケースとなりました。ジョルジーニの独特の演出が成功の鍵となった。 runway セットアップ、ショーと並行したソーシャルイベントの組織化、そしてフランスのオートクチュールと比較して真の目新しさとしてニットウェア、ブティックファッション、アクセサリーを強調しています。

しかし、オートクチュールにも時代があり、その衰退は市場の現象であると同時に社会現象でもありました。エリート主義や貴族主義が薄れ、ファッションの規範を決定し形成するのはもはや社会の上層部ではなくなった、新しいファッションのパラダイムが出現しました。代わりに、それはより控えめな文化的および社会的地位を持つ階級の責任となりました。ジョルジーニはこのことを痛感しており、ファッションハウスの参加、バイヤーやプレスの関与という点で、イベントの輝きが失われていくのを誰よりも目の当たりにする立場にあった。

これらの課題にもかかわらず、彼は常にイノベーションの旗印の下、最初のプレタポルテ モデル (1956 年)、十代の衣類 (1962 年)、女性用ランジェリー (1964 年) など、常にショーを企画し続けました。彼は、オートクチュールのランチェッティ (1961 年) やヴァレンティノ (1962 年)、「ブティック」カテゴリーのクリツィアやミラ ショーンなど、イタリアの新しいファッション レーベルのデビューを促進しました。しかし、1965年までに、継続的な困難と亡命に直面して、ジョルジーニは辞任を決意し、イベントの管理と組織化を手放した。彼の引退はピッティ宮殿、特に国際舞台におけるフィレンツェの衰退を示した。

国内オートクチュールの最も著名な名前の何人かが撤退し、ブティックファッションへの注目が高まったことで、フィレンツェのショーの威信とイメージは徐々に損なわれ、単なる「遊園地でのお祭り」に貶められてしまいました。ピッティ宮殿でのイベントは拡大したが、1972 年から紳士服とアクセサリーに特化した「ピッティ ウオモ」の初版が始まり、続いて 1975 年に「ピッティ ビンボ」、1977 年に「ピッティ フィラティ」、そして最後に、1978 年にはレジャー スポーツウェアの「ピッティ カジュアル」が誕生し、1970 年代にはフィレンツェが展示会の中心地に変貌した「ピッティ カーサ」が誕生しました。 1982 年のサラ ビアンカの閉鎖と 1984 年の「ピッティ ドンナ」イベントの最終的な終了により、ミラノはプレタポルテとイタリアン スタイルの新たな拠点として決定的に定着しました。

ミラノとファッションデザイン

ミラノが国際的なプレタポルテの中心地としての地位を獲得したのは、フィレンツェのショーから離れ、ミラノで独自のコレクションを発表することを決意した若いデザイナーのグループによって推進され、1970 年代半ばに始まりました。特にこのイベントがイタリアのファッション誕生 XNUMX 周年と重なったことから、世界中のマスコミがこのイベントをすぐに取り上げました。

デザイナーたちはミラノを選択することで、創造性とビジネスを抑圧する制約の象徴となっていたフィレンツェから逃れた。ピッティ宮殿から遠く離れて、彼らはより賢明にバイヤーを選択し、フィレンツェの集合ショーで課せられる20モデルの制限を超えるコレクションを自由に発表し、個々のコレクションを最も際立たせるステージングを選択することができた。

こうした暫定的な始まりからわずか数年後の1981年までに、イタリアの大手経済紙は初めて「世界中の大手バイヤーの注目をミラノに集めた洗練されたファッションショー」に記事を捧げ、リニューアルを主導する上でのミラノ市の役割を認めた。イタリアのファッションのこと。ロンバード州の首都を国際的なファッション舞台の最前線に押し上げたデザイナーたちは、大企業と協力して教育を受け、起業家や創造性のマネージャーになることを学びました。

ドルチェ＆ガッバーナ：イタリアのエレガンスの象徴

1985 年にドメニコ ドルチェとステファノ ガッバーナによって設立されたドルチェ＆ガッバーナは、イタリアの主要なファッション ブランドの XNUMX つです。

グラマラスで大胆なスタイルで知られるドルチェ＆ガッバーナは、世界中のセレブやファッション愛好家を魅了してきました。 1986 年のミラノ ファッション ウィーク中に発表されたブランドの最初のコレクションは、その独創性で注目に値しました。ドルチェ＆ガッバーナのデザインはイタリア文化からインスピレーションを得ており、花、果物、動物などの伝統的なモチーフを称賛しています。ドルチェ＆ガッバーナも、ソーシャルを初めて利用したファッション ブランドの XNUMX つです media そのコレクションを宣伝するため。革新的なソーシャルで media キャンペーンを通じて、このブランドはより幅広い視聴者にリーチし、忠実な顧客ベースを構築しました。現在、ドルチェ＆ガッバーナは世界中で事業を展開し、オートクチュールや革製品からアクセサリーやフレグランスに至るまで、幅広い製品を提供しています。

英国のファッションと文化

古典的な「英国ファッション」または「ブリティッシュ スタイル」は 19 世紀から存在しています。アーツ＆クラフツ運動の父であるデザイナーのウィリアム モリスは、今日でも古典的な英国ファッションの特徴となっている独特の「英国スタイル」を生み出しました。

ケント公の娘、アレクサンドリーナ・ヴィクトリア・オブ・ケントの台頭によって特徴づけられたビクトリア朝時代は、叔父の王政よりも近代的で社会の願望と調和した君主制の出現を示した。彼女の治世中、イギリスは特に産業、科学、技術において多くの進歩を遂げましたが、ヴィクトリア女王の統治後、ジョージ 4 世とウィリアム 4 世の治世下で世界強国としての大英帝国が衰退するという課題にも直面しました。ヴィクトリア女王は、この重要な時期に関連した彼女の好みと人生で歴史に永続的な足跡を残しました。

1837 年の即位から 1901 年 XNUMX 月下旬に亡くなるまでのヴィクトリア女王の治世中、イギリスは、この時期にイギリスの保護領または植民地であった国々を含むあらゆる分野で変革を遂げ、イギリス連邦を形成しました。帝国は遠くまで広がり、ヴィクトリア女王がインド皇后となり、王位から海を支配しました。

多くの人は、ビクトリア朝時代を、ロマンス、優雅さ、そして 20 世紀の巨大な文化的大変動前の無邪気な時代を反映した過ぎ去った時代と関連付けます。

ヴィクトリア女王をイメージしたヴィクトリア朝のファッション

この時代のファッションはヴィクトリア女王自身の影響を大きく受けていました。女王陛下は治世を通じてスタイルアイコンとして知られ、彼女の個人的なスタイルはロンドンの女性たちによく模倣されました。これにより、彼女の治世の初期にはより明るくてカラフルな傾向が決まりましたが、喪の期間にはより厳格でゴシックになりました。

女性は、ボリューム感を演出するために、下にペチコートを着た長くぴったりとしたドレスなどの衣服を着ていました。彼らはエレガントなドレス、コルセット、ブーツを好みました。今回はボタンブーツ、スリッポンブーツ、レースアップブーツが特徴的でした。

1840 年代と 1850 年代の女性用ドレスは、細く垂れ下がった肩、下向きの三角形に絞られたウエスト、ベル型のスカートが特徴でした。下着にはコルセット、足首までの長さのスカート、何枚ものフリル付きペチコートが含まれていました。 1850年頃、クリノリンが普及しスカートのサイズが拡大したため、ペチコートの数は減少しました。デイドレスは身頃が無地で、イブニングドレスはローカットで肩が露出していました。これらの衣装は通常、ショールと肘のすぐ上まで伸びる手袋で完成しました。

1860 年代のスカートは、前部が平らになり、後部が丸みを帯びたものになりました。昼間の服装には、パゴダスリーブや軽薄なレースで飾られたハイカラーがよく見られました。イブニングガウンはネックラインが深くカットされ、半袖で、短い手袋またはかぎ針編みのミトンを着用していました。 1870 年代から、室内用のドレスはあまり構造的ではなくなり、非公式な行事ではコルセットが脱ぎ捨てられ、クリノリンの代わりにバッスルが登場しました。

19 世紀の終わりまでに、衣服のスタイルはよりシンプルになりました。バッスルやクリノリンは時代遅れになり、ドレスはあまりきつく着用されなくなりました。コルセットは残されましたが、長くなり、女性はわずかにS字型のシルエットになりました。スカートはトランペットの形をしており、腰にぴったりとフィットし、ウエストで締められ、膝の上で広がりました。同時に、サイクリング、テニス、水泳などのアクティビティに対応する、スポーツ用にデザインされた衣類のシリーズも人気を博しました。

この時代の男性は通常、スリーピース スーツにロング ジャケットとフィットしたパンツを着用していました。フロックコートやシルクハット、ボーラーハットなどのダンディな服装が人気でした。アクセサリーも重要で、蝶ネクタイ、手袋、スカーフがそれぞれの服装に洗練されたタッチを加えています。

1807年、工場で衣料品を大量生産し、店舗で定価で販売する動きが加速し始めた。家庭縫製はまだ一般的でしたが、減少し始めました。新しい機械は衣服の作り方を変えました。

19 世紀半ばにミシンが導入され、ロックステッチが可能になり、家庭でもお店でも衣服の製作が簡素化されました。この機械の進歩により、手作業で作成するのが困難であったさまざまな複雑な装飾を簡単に適用できるようになりました。レース製造機の登場でレースのコストが大幅に下がり、人気が高まりました。

大英帝国内の遠い土地からの新しい素材の中には、ラバーブーツやマッキントッシュコートの製造に使用されるゴムがありました。化学者は、天然染料よりも明るく耐久性のある合成染料を開発しました。

帽子

ビクトリア朝時代の初期の数十年間、フープの下部構造で支えられたボリュームのあるスカートは女性の服装の中心的な要素でした。帽子は、邪魔にならずにシルエットを引き立てるようにデザインされており、サイズも外観も控えめでした。摂政後期に着用された「見えない」ボンネットは、スカートの鐘の形を反映した円形のつばを持ち、最終的には着用者の顔が隠れる点まで長くなりました。

1870 年までに、シルエットがスリムになるにつれて、帽子は​​縮み、額の前に置かれるようになりました。ヘアスタイルはより複雑になり、カールしたヘアピースが自然な髪にボリュームを加えました。

後期には、正三角形のようなシルエットがファッショナブルになり、つばの広い帽子が流行しました。これらの帽子は、シルクフラワーアレンジメント、リボン、エキゾチックな羽根で贅沢に飾られており、その中で最も人気のある羽根は、フロリダのエバーグレーズでほぼ絶滅した鳥のものでした。

スチームパンク – ビクトリア朝時代のファンタジー版

鉄道などの先進技術が特徴的なビクトリア朝時代は、スチームパンク運動が盛んな時代です。蒸気機関、歯車、あらゆる種類のメカニズムが中心的なテーマです。現代の発明やテクノロジーが再考され、それがスチームパンクの本質です。

ビクトリア女王の治世中のジュエリーは手作りされることが多かった

英国の職人は、かなりのレベルの職人技を反映して、贈り物として依頼されるブローチ、指輪、ネックレスを作るために頻繁に求められていました。その一方で、経験豊富な宝石商の監督のもとで基本的な技術を用いて工場で作られた宝飾品もあり、プロレタリアートが生産の労働力として働いていました。

ビクトリア朝時代のジュエリーは、多くの宝石と複雑なセッティングを特徴とする非常に装飾的なものが多くありました。ビクトリア朝時代には、カメオ作品や人毛や動物の毛から作られたジュエリーなど、喪に服するジュエリーも流行しました。それほど裕福ではないビクトリア朝では、ガラスやマザーオブパールなどの安価な素材が使用されていましたが、これらの作品は依然としてエレガントで装飾的でした。

ビクトリア朝のジュエリーのスタイルは非常に独特で、ジェット、ダイヤモンド、サンゴの使用が特徴です。重くて華やかな傾向があり、富と豪華な印象を与えます。ビクトリア朝スタイルは現代の目には少し時代遅れに見えるかもしれませんが、本物のビクトリア朝の作品にインスピレーションを得た複製ジュエリーを提供する企業が多く、依然として高い人気を誇っています。

19 世紀に君臨したビクトリア女王にちなんで名付けられたビクトリア朝のファッションは、長いスカート、複雑なレース、襟の高いボディスで知られています。ビクトリア朝風の衣装を作るのは手間がかかるように思えるかもしれませんが、その結果は本当に価値のあるものになります。メカニカルな要素を加えたり、シルクハットなどのアクセサリーと組み合わせると、印象的な印象を与えることができます。

ビクトリア朝のブーツ

ビクトリア朝のレースアップブーツは特に女性に人気があり、その独特のスタイルは今日でも高く評価されています。本物の複製品は、多くの場合、オリジナルのビクトリア朝のレースアップ ブーツと同じ素材で作られており、さまざまなソースから入手できます。コストを考慮したり、個人的な好みから、革ではなく合成素材で作られたブーツを好む人もいるかもしれません。

ビクトリア朝の女性用ブーツには、主に 2 つのスタイルがあります。

ローカットとハイカットの両方があり、緑、赤、白などのさまざまな色がありますが、依然として黒と茶色が最も一般的な選択肢です。紐は通常、靴の前部、足からブーツの上部まで伸びており、かかとの高さは通常 2 ～ 3 インチで、砂時計の形をしています。女性用のビクトリア様式のレースアップブーツの最も特徴的なのは、つま先が非常に尖っていて細いため、つま先が圧迫されすぎないように通常より大きいサイズを購入する必要がある場合があります。

この傾向は、ヴィヴィアン・ウエストウッドやジョン・ガリアーノのような偉大なデザイナーを私たちに紹介するでしょう。

結論

ロンドン、ミラノ、パリの主要なファッション ウィークでは、それぞれの豊かな歴史と旅を反映した創造性が披露されます。各都市には、ファッションの歴史と彼らの個人的なストーリーからインスピレーションを得たデザイナーがいます。これは誠実なアプローチですが、それは今でも当てはまるのでしょうか?それは不確かです。

望ましさは単なるマーケティング戦略ではないことに注意する必要があります。もしそうなら、そのブランドやファッションハウスは長期的には続かないかもしれません。

ファッションは夢を与え、社会現象であり続けるべきです。

ファッションが最も魅力的なアンバサダーであることを忘れないでください。